Titolo originale: A Redouté treasury – 468 watercolours from Les liliacées

Autore/i: Redouté Pierre Joseph

Editore: Editoriale Jaca Book

unica edizione, prefazione e cura di Augusto Pirola, testo di Peter e Frances Mallary, consulenti di Botanica Joan Waltermire e Linney Levin, traduzione di Giovanna Pirola e Augusto Pirola, collana: L’intenditore, in copertina: disegno di Marc Walter.

pp. 228, riccamente e interamente illustrato a colori, Milano

Pierre-Joseph Redouté, chiamato spesso «il Raffaello dei fiori», è il più famoso artista botanico della storia. Incaricato dall’imperatrice Giuseppina di registrare le piante e i fiori dei suoi ricchi giardini, Redouté iniziò il suo capolavoro nel 1802 – una raccolta di 486 squisiti acquarelli, dipinti su pergamena.
Le tavole provengono dagli acquarelli pubblicati in un’edizione di solo 200 copie. I disegni originali, con una copia del testo stampato, andarono, alla morte di Giuseppina, a suo figlio, Eugenio di Beauharnais, duca di Leuchtenberg da lui a un mercante d’arte e di libri negli anni ’30 e finalmente nel novembre 1985 arrivarono a Sotheby’s di New York. Con un’asta di appena due minuti, l’opera raggiunse l’incredibile prezzo di 5 milioni e mezzo di dollari, il prezzo più alto mai pagato in America per un libro e al decimo posto nella scala dei prezzi pagati per opere d’arte.
La presente edizione, contributo eccezionale alla storia dell’illustrazione botanica, riproduce tutti i 468 acquarelli rimasti de Les Liliacées riproponendo così ai posteri tutta la perfezione scientifica ed estetica degli originali.
Con grande delicatezza e precisione di dettagli Redouté ha riprodotto le forme e i colori non solo della famiglia dei gigli, ma anche di iris, amarilli, tulipani e inoltre di ananas e banane – piante molto difficili da essiccare e pressare per gli erbari – producendo così illustrazioni di inestimabile valore.
I dipinti di Redouté, che non sono stati eseguiti con un ordine particolare, per questo libro sono stati riorganizzati per generi e specie, con l’aggiunta di note botaniche. Le precede un saggio introduttivo sulla storia, la provenienza e le circostanze di quest’opera straordinaria.
La pubblicazione di questi dipinti, sorprendentemente rimasti intatti per 170 anni, che non sono stati ammirati quasi da nessuno, è un avvenimento che senza dubbio confermerà che Les Liliacées è uno dei più grandi libri con tavole a colori e che il suo creatore, Redouté, è il più grande illustratore di fiori mai esistito.

Peter Mallary vive nel Vermont e ha scritto numerosi libri sulle case e chiese della Nuova Inghilterra. Sua moglie, Frances Mallary, insegna ed è membro del Darthmouth College Library.
La presentazione dell’edizione italiana è opera del professor Augusto Pirola, docente di Botanica all’Università di Pavia, che ha considerato l’iniziativa di questa pubblicazione di straordinario interesse per studenti, studiosi ed appassionati italiani; molti, infatti, ne conta la botanica.

Duelli, beffe, attentati dell’epoca umbertina

Autore/i: Antonioni Lelio

Editore: Edizioni Mediterranee

pp. 242, nn. tavv. b/n f.t., Roma

«[…] Con gli stessi intenti si pubblica oggi questo secondo libro, che rievoca anch’esso avvenimenti lieti o tristi, gioconde beffe della scapigliatura giornalistica del tempo, efferati e allucinanti delitti, attentati anarchici, donchisciottesche vertenze cavalleresche accanto a movimenti sociali turbolenti e {sanguinosi che scossero particolarmente il primo trentennio di Roma capitale e di quella degli inizi del secolo.[…]»

Autore/i: de Courberive Jean

Editore: Edizioni Paoline

seconda edizione, introduzione dell’autore, traduzione di A. Bernardini.

pp. 152, Roma

Cos’è il trac? Una varietà della timidezza una paura senza vergogna, un complesso d’inferiorità, insomma, caratterizzato da fenomeni fisico-psichici refrattari ad ogni ragionamento. Molti sono colti da questo sentimento ansioso soprattutto quando debbono affrontare il pubblico: attori, cantanti, conferenzieri, professori, studenti interrogati in classe o nell’attesa dell’esame, musicisti, persone che aspettano un colloquio e, perchè non dirlo signorine e giovani ai loro primi appuntamenti d’amore, Sembrerà paradossale, eppure molti artisti furono dei timidi. La Signora Bartet ha provato il trac fino al termine della sua lunga e brillante carriera teatrale. Cicerone fu un grande timido tantoché non riuscì a pronunciare il migliore discorso di tutta la sua lunga carriera    d’oratore: il «pro Milone».
Nei violinisti questo complesso ha un effetto li induce involontariamente ad elevare il suono del loro strumento per lo spasmo dei muscoli flessori dovuto appunto al trac; a chi parla tronca la parola e pare mozzi il fiato ingenerando un senso di costrizione toracica, epigastrica e laringea, congiunto ad una specie di vuoto mentale con evidenti analogie con la vertigine.
Di questo insolito tormento parla il De Courberive iniziando il suo discorso dal nervoso e dalla timidezza di cui il trac non è che una forma.
Ma la sua pagina si fa più lucida e interessante quando indica i mezzi per vincere questo seccante complesso d’inferiorità, di cui, per altro, e non solo a titolo d’incoraggiamento, valuta saggiamente tutti gli aspetti positivi. Non tutti, forse, sanno che a volte il trac crea la grande oratoria.
Certo, i mezzi che l’Autore suggerisce non sono esattamente quelli del vecchio artista che, soggetto a trac cronico, affrontava suo pubblico dicendogli (mentalmente s’intende) la parola di Cambronne e caricando poi come un soldato a cavallo, o il motto di Stendhal: «Il carattere della forza è di infischiarsi di tutto e di andare avanti». Egli si attiene ai dettami di una sana e provata igiene del corpo e dello spirito. E se è vero che le idee-forza abbiano una specie di magico potere (ricorda Filippo, l’eroe di Barrès, che collezionava le formule di energia per divenire un «audace»), è indubbio che nel cristianesimo –  pur prescindendo da insperati ausili ad esso solo possibili – c’è un incomparabile sistema di idee-forza che hanno sui timidi effetti sorprendenti.

Titolo originale: «Roads to Freedom: Socialism, Anarchism and Syndacalism»

Autore/i: Russell Bertrand

Editore: Longanesi & C.

presentazione di Mario Monti, nota introduttiva e prefazione dell’autore, traduzione di Camillo Pellizzi.

pp. 272, Milano

Russell è un critico spietato della forma attuale della società e al tempo stesso un compagno di strada non comodo per quelli che taluno ha definito i filistei del rivoluzionarismo; in ogni polemica lo si potrà accusare di tutto fuorché di insincerità. Socialismo, Anarchismo, Sindacalismo può esser definito l’esame di coscienza di un rivoluzionario. I rivolgimenti e le trasformazioni cui assistiamo nel nostro secolo seguono, in qualche parte, la traccia segnata dalle grandi utopie e profezie rivoluzionarie dell’ottocento. Queste idee maestre hanno cominciato a calarsi nella realtà, hanno raggiunto in più modi gli strati sotterranei della coscienza sociale e ne riemergono per mille vie, spesso con sussulti irregolari e deflagrazioni che fanno pensare a fenomeni sismici.

Dell’Istituto di Coltivazioni Arboree – Patrimonio Artistico dell’Università degli Studi di Milano

Autore/i: Autori vari

Editore: Università degli Studi di Milano

a cura di Graziella Buccellati, testi di: Renata Allio, Enrico Baldini, Tommaso Eccher, Marina Maniago, Grazia Zilorri, con una nota di Anna Marchi, coordinamento e direzione scientifica di Tommaso Eccher.

pp. 198, nn. ill. a colori e in b/n, Milano

…Penso che per molti, salvo la ristretta cerchia degli specialisti, il contenuto di questo volume costituirà una sorpresa: la medesima reazione d’altronde provata da quanti hanno avuto occasione di esaminare da vicino, dopo pazientissima opera di pulitura che ne è stata compiuta, qualcuno degli straordinari pezzi che compongono la collezione di frutti artificiali realizzata intorno al 1870 per la Scuola Superiore di Agricoltura dal piemontese Francesco Garnier Valletti, attualmente conservata presso l’Istituto di Coltivazioni Arboree della nostra Facoltà di Agraria e alla quale il volume è dedicato. Perfette imitazioni della natura (e di molte varietà nel frattempo estinte), i modelli di Garnier Valletti presentano, nel medesimo tempo, un rilevante interesse storico-scientifico, ampiamente approfondito nei testi che seguono, e una non meno rilevante attrattiva derivante dalla loro particolare fisionomia artistico-artigianale, che ne fa degli straordinari oggetti decorativi, opportunamente valorizzati nella ricca parte illustrativa. Nel ringraziare vivamente quanti a cominciare dal collega Tommaso Eccher, si sono fatti promotori della pubblicazione, realizzandola nei modi che tutti possono apprezzare, posso solo augurarmi che si determinino presto le condizioni perché un materiale di tale qualità possa essere esposto in condizioni degne e pienamente adeguate alla sua non comune importanza… (Paolo Mantegazza – Rettore dell’Università degli Studi di Milano)

In copertina: Francesco Garnier Valletti (1808-1889), Disegno con note autografe. Accademia di Agricoltura di Torino – Francesco Garnier Valletti, Modelli di mela, di pera e di nespole. Milano, Istituto di Coltivazione Arboree.

Autore/i: Volbach Wolfgang Fritz

Editore: Longo Editore

unica edizione, collana: Antichità archeologia storia dell’arte n. 4.

pp. 128, 69 tavole in b/n, Ravenna

Fra gli oggetti d’arte, conservati dalla tarda Antichità, le opere in avorio sono di grande importanza, perché sono in parte datate e i pezzi ufficiali anche localizzati. Si distingue generalmente una scuola di Roma ed un’altra di Costantinopoli. Anche Alessandria (Egitto) e l’Italia settentrionale, con Milano, sono riconosciuti come luoghi di lavorazione d’avorio. Ma per una produzione nella quarta capitale dell’Impero, cioè a Ravenna, non si credeva ad una scuola. Sicuramente invece questa ricca città avrà prodotto degli avori, anche come opere ufficiali della corte. W.F. Volbach avanza la proposta che alcuni pezzi, specialmente del gruppo dell’Italia settentrionale del sec. V, potrebbero essere stati lavorati a Ravenna, come il dittico a cinque parti di Milano o la cassetta di Werden a Londra. Questi pezzi rassomigliano infatti ad opere ravennati in mosaico o alle sculture. Per il sec. VI Ravenna dipende da Costantinopoli e dimostra lo stile di quella capitale, ma possiede sicuramente una fiorente produzione indigena. La cattedra di Massimiano o il dittico di Berlino possono essere stati lavorati in questa città. Quattro o cinque scultori furono impegnati nel lavoro per la cattedra, ma pur essendo evidente lo stile di Alessandria e di Costantinopoli, è più che probabile che questo capolavoro dell’arte, con le sue varie tendenze, sia stato fatto a Ravenna stessa. Infine questo studio dimostra pure che alcuni avori, copiati per la corte di Carlomagno, tradiscono l’influsso di pezzi di una scuola nell’Italia settentrionale, forse Ravenna.

La favolosa storia delle genti sudafricane

Autore/i: Credo Mutwa

Editore: Red Edizioni

traduzione dall’inglese di Nicoletta Della Casa, prologo e introduzione dell’autore.

pp. 120, Como

Sotto lo sguardo attento delle stelle ridenti siede il Vecchio che narra…

«Questa è la storia dell’antica conquista fenicia dell’Africa del sud, una storia che ancora oggi è cantata e narrata intorno ai fuochi dei villaggi del Centro e del Sudafrica, una storia vera, con migliaia di vestigia che la avvallano in possesso dei medici stregoni.»
Che siano documento o metafora della conquista sudafricana da parte dei Bianchi, non ha veramente importanza. Prezioso è invece, dei racconti che qui presentiamo, il potere che essi hanno di illuminare aspetti inediti e profondi dell’anima africana e della realtà del Sudafrica oggi.

Credo Mutwa, zulù di nascita, narratore di storie tradizionali africane (che noi chiameremmo leggende, ma che hanno un importante fondamento storico), guaritore, scultore, è uno degli esponenti di spicco della cultura sudafricana. Nelle cruente lotte fra tribù, la sua casa a Soweto fu una delle prime a essere bruciata durante l’insurrezione del 1976.
La sua voce, che chiede giustizia per l’Africa raccontando spietatamente vizi e virtù delle sue genti, è una delle testimonianze più attente (notissima nei paesi anglosassoni) sulla società sudafricana di oggi, dove vicende quotidiane e mito sono fittamente intrecciati.

Romanzo

Autore/i: de Chirico Giorgio

Editore: Longanesi & C.

prefazione di Giorgio Manganelli.

pp. 192, Milano

Ebdòmero non è un personaggio, ed Ebdòmero non è un romanzo; il primo è un nome consapevole, il secondo un itinerario, un deposito di immagini, un catalogo di simboli, un collage di sogni, paesaggi, interni di abitazione, appunti di disegni, accesi, tutti, da una fosforescenza che sa di memoria, di visione, di mistificazione. La favola di Ebdòmero si stende come un labirinto proliferante, un edificio capace di riprodursi, di progettare nuove ali, quartieri, aditi ed esiti; dunque sarebbe vano cercare un inizio ed una conclusione, culmini privilegiati, scoperte nodali: in un edificio, uno spazio, una città morta e compatta, un tempio accuratamente, fastosamente sconsacrato, ogni punto è nodale, inaugura e sigilla.
Questo luogo infinitamente spurie, mitologico e losco, di centauri e angiporti, viene descritto in un discorso che può definirsi monologo oggettivo: trascrizione in una prosa spassionata, al più crucciata, anche querula, di un impuro farfugliamento privato. Spogliato del suo fervore torbido, l’originario delirio che ancora si indovina si dispone ordinatamente in un racconto che non procede di avvenimento in avvenimento, ma trascorre da un’immagine, da una parola, da una analogia ad un’altra: cosi come, lungo un percorso, due punti sono necessariamente contigui, ma in nessun modo deducibili né reciprocamente prevedibili. La singolarità di questo pro-cedere sta nella sua distanza sia dal sogno sia dal monologo interiore: esso è infatti di una minuta lucidità, una sapienza paziente, scolastica, una esattezza da grande accademia; e tuttavia codesta pertinenza retorica non mira ad una frodolenta mozione affettiva, non coinvolge il lettore né lo abbaglia, ma lo seduce ad uno spettacolo di immagini che sanno di allucinazione ma non ne hanno il furore, che sanno di erudizione e di sogno, di vaneggiante angoscia e frigida invenzione retorica. (Giorgio Manganelli)

Titolo originale: Kinkakuji

Autore/i: Mishima Yukio

Editore: Giangiacomo Feltrinelli Editore

traduzione dal giapponese di Mario Teti.

pp. 256, Milano

Non c’è recensore, in Giappone e fuori, che, cercando parentele o fonti d’ispirazione per questo capolavoro della letteratura giapponese moderna, non abbia fatto il nome di Dostoevskij. Incominciarono i giapponesi: per quanto la cosa possa apparire sorprendente, la voga di Dostoevskij aveva raggiunto nell’immediato dopoguerra un’ampiezza senza precedenti e nel triennio 1947-50 Delitto e castigo era stato uno dei più clamorosi best-seller della storia dell’editoria nipponica. È appunto nel 1950 che avvenne il fatto che ispirò a Mishima questo Padiglione d’oro, che è del 1958: un giovane accolito buddista, deforme e balbuziente, dà fuoco a uno dei maggiori monumenti dell’arte giapponese, il padiglione di un celebre santuario di Kyoto, il Kinkakuji, il quattrocentesco tempio zen. La storia di questo clamoroso gesto è raccontata da Mishima con aderenza alla cronaca, ma in modo da assegnare un senso simbolico ossia problematico all’azione del piromane. La chiave dell’ossessione di Mizoguchi, Mishima la ricerca in quell’attesa quasi magica della grande distruzione che rappresenta il tema profondo di tutta la prima parte del libro fino al giorno della sconfitta bellica del Giappone. La calata agli inferi si svolge sul tema di straordinarie, attonite rievocazioni di memorie dell’infanzia. Il tema della bellezza suprema del padiglione affonda le sue radici in un’ossessione infantile esorcizzata dallo storpio Mizoguchi con un atto che trova giustificazione anche nella dottrina buddista della morte al mondo e della cancellazione del bello in quanto pura apparenza.
Dostoevskij diventa un punto di riferimento possibile ma lontano: al di là del motivo della redenzione attraverso il male, al di là delle motivazioni per così dire freudiane e delle implicazioni sociali (gli echi dell’apocalisse bellica), prorompe quel culto dell’assoluto cui le tradizioni zen forniscono raffinati supporti logici e psicologici.

Yukio Mishima, considerato uno dei massimi scrittori giapponesi, nasce a Tokyo nel 1925 e muore suicida nel 1970. Feltrinelli ha pubblicato le sue opere di maggior successo: La voce delle onde (1961), Il padiglione d’oro (1962), Dopo il banchetto (1964), Confessioni di una maschera (1969), Trastulli di animali (1983), Lezioni spirituali per giovani Samurai (1990), La foresta in fiore (1991), Musica (1993), la tetralogia Il mare della fertilità, con Neve di primavera (2009), A briglia sciolta (2010), Il Tempio dell’alba (2011) e La decomposizione dell’angelo (2012), Colori proibiti (2009), Il sapore della gloria (2010), La scuola della carne (2013) e, nella collana digitale Zoom, Diario di preghiere (2013). Feltrinelli ha inoltre pubblicato Le ultime parole di Mishima, una doppia intervista di due celebri critici letterari giapponesi, Furubayashi Takashi e Hideo Kobayashi (2001).

Autore/i: Parise Goffredo

Editore: Arnoldo Mondadori Editore

prima edizione Medusa Serie ’80, postfazione di Natalia Ginzburg, collana: I Libri della Medusa Serie ’80 volume 29.

pp. 294, Milano

…il Sillabario n.2 che concluse quell’analisi dei sentimenti condotta da Parise con un’attenzione sempre partecipe: nei due volumi, da alcuni considerati il suo vero capolavoro, l’autore dedica a ciascun sentimento un breve racconto, da cui emerge una sorta di riscoperta dei più autentici valori umani…

Rari sono gli scrittori che come Goffredo Parise sanno fermare nell’esemplarità dell’immagine poetica la felicità dell’esistere, la complicità dei paesaggi e delle stagioni, la golosità che si appropia di colori, sapori, odori: in una parola, l’esultanza della percezione. Quella che si evoca in questi racconti è una continua iniziazione, quale che sia l’età anagrafica dei personaggi: i momenti di quasi insostenibile intensità che l’alchimia della memoria farà emergere come significativi, solo a distanza di molti anni, rivelandoli finalmente per quello che sono, le esperienze semplici e fondamentali che fanno una vita, che sono la vita, e di volta in volta verranno chiamate Fascino, Felicità, Grazia, Malinconia, Odio, Sogno. Tutte toccate dalla grazia dello stile, queste figure di adolescenti sensitivi, di donne limpide e curiose, di vecchi sapienti celebrano senza saperlo i misteri della fisicità, gustano con pari abbandono gli aromi delle passioni e quelli delle erbe selvatiche. Insieme a loro, Parise insegue “il colore delle cose che passano”. Sullo sfondo, un Veneto di acque e di boschi, l’Italia arcaica e dignitosa degli anni ’30 e ’40, infatuata del mito amatorio di Clark Gable; ma anche le città di oggi, con il loro carico di solitudine e di estraneità. Un sillabario ha intenti didascalici, trasmette un sapere già dato. Nelle storie familiari e fiabesche che compongono questa autobiografia indiretta ci sono invece la tensione della scoperta e lo scatto dell’imprevedibile. Le emozioni vi appaiono come frammenti di una lirica minima e struggente, che salda i propri versi nell’onda della nostalgia.

Goffredo Parise (1929-1986) è stato uno scrittore, giornalista, sceneggiatore, saggista e poeta italiano. Ricordiamo alcuni suoi titoli: Il ragazzo morto e le comete (1951), La grande vacanza (1953), Il prete bello (1954), Il padrone (1965), Sillabario n. 1 (1972), Guerre politiche (1976).